A finales del pasado mes de noviembre se publicó esta entrevista para la revista cultural GEC MAGAZINE, ahora podemos disponer de su versión integra en este blog.
ENTREVISTA A JUAN MARQ: "Ser pintor no es una elección, es una predisposición natural, una forma de ser, diría que es más bien inevitable".
ENTREVISTA A JUAN MARQ: "Ser pintor no es una elección, es una predisposición natural, una forma de ser, diría que es más bien inevitable".
En esta ocasión, nos desplazamos a la localidad de Trigueros (Huelva) para conocer más a fondo a Juan Marq, un artista plástico con el que hablamos dilatadamente en su estudio sobre diversas cuestiones relacionadas con el arte y la creación artística, para luego, acercaros de primera mano a la realidad artística contemporánea en la provincia de Huelva. Esto es lo que nos contó:
¿Cómo y cuándo comenzó tu andadura artística?
Desde mi niñez recuerdo como de manera natural intentaba plasmar las imágenes que veía en un papel, pienso que es innato el hecho de expresarse con dibujos desde la infancia, es un lenguaje universal. Aún hoy día intento rescatar esa percepción libre de prejuicios de mi infancia pero con la experiencia y conocimiento presentes.
¿El artista nace siendo pintor o se hace pintor?
Pienso que ser pintor no es una elección, es una predisposición natural, una forma de ser, diría que es más bien inevitable. Luego esa capacidad hay que cultivarla y pulirla, así que debes aprender a expresar lo que quieres comunicar sino has fracasado en tu propósito. La pintura es esencialmente intuición bajo un conocimiento importante, hay pintores con ideas geniales pero se quedan en puro concepto porque no son capaces de transmitir lo que quieren exteriorizar o no tienen el oficio, al final todo se resume a una selección natural con el paso del tiempo solo quedan los mejores.
¿Qué es para ti el arte, la obra de arte y el artista?
Para mí el arte es un medio de expresión innato, un mecanismo subliminal que atrapa las sensaciones que nos rodea y las explica con una técnica. Seguramente una obra de arte es diferente para cada uno, aunque muchos coincidamos en algunas por su excelencia o ejecución, se trata de un objeto o acto que nos hace transcender y cuestionarnos el sentido de las cosas, y ser artista es una manera de entender el mundo y una manera de explicarlo. Posiblemente si me preguntaras mañana por esto te daría otra respuesta o estaría en desacuerdo (risas).
Cuales son para ti los grandes maestros de la pintura y por qué.
Pues mi inclinación por el Renacimiento es notable, me asombra como después de la oscura etapa de la Edad Media resucitan los valores clásicos, y se produce un cambio cultural en el modo de ver y representar. Esto ha influido bastante en mis pinturas, dándome la posibilidad en los viajes a Italia de analizar las obras de los maestros renacentistas y los códigos necesarios para aprender a leer un cuadro de la misma manera de como aprendemos a leer un texto.
También la influencia de Velázquez por una cuestión de cercanía y ósmosis cultural es innegable, ha sido una constante durante mi estudio en el tratamiento de la luz y la composición. Pero a pesar de mis preferencias o gusto por los estilos clásicos, se puede decir que mis grandes maestros, los que más me han transmitido han sido mis amigos, de ellos he podido aprender de primera mano la vibración del proceso artístico.
Una pintura única.
Todas las pinturas deben ser únicas es un requisito indispensable en la creación artística, la originalidad, aunque sin duda prefiero una buena copia a un mal original. Si te refieres a una obra en concreto te diría que con el paso del tiempo prefiero los conceptos, por ejemplo si hablamos de Velázquez me quedo con su forma de pintar, no con éste o aquel cuadro.
Cómo definirías tu obra y que pretendes comunicar con ella.
Mi obra es un proceso de búsqueda constante en el aprendizaje de conocerme a mí mismo, es uno de los motivos que le dan significado a mi existencia. La pintura me ayuda a analizar la esencia de las cosas a niveles metafísicos, con ella trato de trascender la vida cotidiana.
Luego en el método de construcción de las imágenes que empleo en el proceso pictórico destaco dos elementos importantes, uno es la búsqueda de una nueva interacción y tratamiento de la pintura con la pincelada precisa y la ambigua. El otro, la unión del estado consciente y subconsciente.
En estos días, con el desarrollo de las nuevas tecnologías y los medios de comunicación, ¿en qué apartado se encuentra la pintura? ¿Piensas que ya está todo dicho?
Pienso que no hay peligro de que el arte perezca, solo mueren las formas artísticas. El cambio de las técnicas visuales es una transición natural, esto se ve desde las pinturas rupestres a las imágenes digitales, el afán de experimentar y descubrir no es solo necesario, sino que además es sano para la salud del arte presente, el secreto de la pintura contemporánea está en utilizar los mismos materiales pero poniendo un nuevo orden en ellos. Las viejas formas artísticas siempre quedarán ahí para poder usarlas o reinventarlas, con la pintura podemos estar tranquilos, todavía quedan formas de pintar porque quedan artistas por nacer.
¿Qué relación existe entre el artista, los materiales y la creación artística?
Debe existir una armonía entre el estado de creación y la realización del proceso artístico, sin coherencia toda obra perdería toda su razón de ser.
Siempre se habla de la inspiración como aquella musa que ayuda al artista a desarrollar su obra, ¿Cuales son las musas que inspiran a Juan Marq?
Me motiva desde siempre dar una interpretación a lo desconocido, esclarecer con mi temática esas preguntas existenciales, referentes a la creación, la muerte, el amor o los contrarios irreconciliables.
Qué opinión tienes de los museos, centros de arte, exposiciones y galerías?
Creo que están en ocasiones infravalorados y en otras olvidados, a veces los veo como grandes mausoleos donde descansan y apilan restos de obras de arte, es una lástima para nuestra sociedad y nuestro patrimonio. Es importante no solo mirar obras de arte sino aprender a valorarlas, soy consciente que en los tiempos de crisis que vivimos es donde primero se recortan gastos, al no apreciarse la cultura como algo eminentemente “útil”, pero yo lo veo más bien como una solución, Einstein decía que “en los momentos de crisis, solo la imaginación es más importante que el conocimiento” y debemos estimular eso.
Cuál es la realidad artística en Huelva, ¿resulta fácil exponer tu obra en las distintas salas de exposiciones de la provincia, o por el contrario, necesitas tener un “mecenas” que valore tu obra para conseguir colgarla?
Es aconsejable tener un patrocinador que te avale y respalde, no siempre puedes exponer donde quieres, hay mucha competencia y la difusión es muy importante para que tu obra llegue al mayor público posible. Pero hay que tener en cuenta de que debes pintar para ti mismo, no para un mecenas o galerista, así al menos estarás seguro que tus cuadros le gustarán a alguien (risas).
¿Existe un hueco en el arte onubense para los artistas jóvenes?
En la actualidad, es difícil dedicarse al arte no solo en Huelva, también en Andalucía, pero debe existir, es necesario estudiar a los artistas ilustres de nuestra tierra y no olvidarnos de nuestras raíces para aprender de dónde venimos y por qué, pero es preciso seguir adelante con nuevas ópticas para poder evolucionar y para eso se necesita una predisposición y un espacio natural. La tradición solo es la ilusión de lo permanente, debemos mirar hacia el futuro.
¿Qué opinión tienes de los certámenes y concursos de pintura?
Creo que es una oportunidad para poder evaluarte a ti mismo e incentivarte. Pero en ningún caso lo veo como una competición, sino como un medio para darte a conocer y progresar aprendiendo de los demás y ver hacia donde se dirige la pintura actual. Aunque opino que las modas no están para seguirlas, sino para crearlas, pero eso no es nada fácil.
Además de la pintura, ¿Qué otras formas artísticas trabajas?
Pues el mundo visual es muy basto y rico, cada día hay más medios de expresión y además evolucionan rápido, tanto en su metodología como en su transmisión. El concepto esencial artístico es lo importante, luego debes aprender el lenguaje donde lo quieres interpretar y extrapolarlo. Así que me gusta experimentar en las artes alternativas cercanas a la pintura, como son la fotografía, el diseño tradicional, el diseño digital, también me gustaría probar con imágenes en movimiento, es algo que tengo pendiente.
Por tus lienzos deducimos que tu inquietud creativa te lleva a recorrer diferentes lugares del mundo entre los que se encuentra la capital italiana. ¿Qué significó para ti la ciudad eterna? ¿Por qué llegó a ser el tema central de algunas de tus creaciones?
Siempre me llama la atención lo atemporal, algo que podría suceder en cualquier momento de cualquier época, paisajes oníricos donde nuestra imaginación puede pasear una y otra vez sin la pesada carga del discurrir del tiempo. Pienso que los monumentos clásicos son los ideales para este tipo de representaciones que han soportado tantos años de historia y siguen manteniendo los valores esenciales de la arquitectura. De ahí surgen mis cuadros y fotografías sobre panoramas italianos.
Háblanos de tu serie “Mythomanía".
No es novedoso el tema a tratar, a lo largo de todas las épocas se ha desarrollado desde diferentes connotaciones culturales la cuestión de los mitos, pero cada visión personal tiene una manera de contarlo.
En estas pinturas me sumerjo en ciertos relatos y recuerdos de mi infancia sobre ellos, donde ya la madurez ha ido desempolvando y formando desde mi subconsciente unas imágenes y unos referentes.
Creo que la manera que me sugiere representar estas evocaciones de realidad y fantasía técnicamente podrían ser como dos existencias reflejadas, dos imágenes superpuestas que se confunden y forman algo nuevo como cuando nos miramos en el cristal de una ventana y se refleja nuestro rostro pero también se transluce el exterior, en ese instante si entornamos los ojos vemos otra cosa, algo nuevo. En ese mundo sobrenatural se integran las figuras, donde desaparecen hasta formar parte de su contorno, la atmósfera se hace etérea y confusa, formando con los objetos representados nuevos elementos, jugando así con la imaginación del espectador.
¿En qué trabajas ahora?, ¿cuáles son tus proyectos de futuro?
En realidad, el enfoque que tengo es centrarme en el momento y el reto que tengo entre manos, que es seguir la temática de paisajes y mitos que alterno con el diseño y la fotografía. Actualmente mantengo contactos con una galería de New York para una exposición, espero que llegue a buen término y sepáis de ella pronto.
Quisiéramos agradecerle su tiempo y la posibilidad de reproducir sus creaciones en nuestra revista, con la esperanza de volver a encontrarnos en otra ocasión.
Ha sido un placer contestar las preguntas y os agradezco la oportunidad que me brinda vuestra revista.
